Acknowledgements

I am eternally grateful to many people who have, in one way or another, contributed to make this exhibition and publication a reality. I would like to acknowledge the continual dedication of my life partner, Beata Ewa Marek, who has never wavered in her enthusiastic support of my work. On more than one occasion she has urged me to assemble a publication, such as this one, to document and capture the spirit of my work as a printed memory.

Sincere appreciation is extended to the individuals who have supported and encouraged me over the years by exhibiting and/or purchasing my prints. These individuals include Michael Flanagan from the University of Wisconsin at Whitewater, WI; Gilberto Cardenas from Notre Dame University at South Bend, IN; Gary Keller from Arizona State University at Tempe, AZ; John Graham from Western Illinois University at Macomb, IL; Claude Villeneuve in Montreal, Canada; and Benjamin Varela in Edinburg, Texas. In Mexico, to Carlos Ochoa at the Universidad of Guadalajara; Gerardo de la Barrera in Oaxaca; Leopoldo M. Praxedis in Tlaxcala; Alejandro Nava in Zacatecas; and Mizraim Cardenas and Juan Guerrero in Morelia.

For their moral support and trust in my work, I extend a heartfelt gratitude to my good friends Patricia Macias, Eva Smith, Dolores Mercado, Jose Luis Gutierrez; William S. Goldman, Gerardo Torres, Nancy Carter-Hill, Reginald Hill, and Martha Martinez Flores. I thank Mark Armendariz for his friendship, support, and editing skills.

I am most appreciative to those printmakers who have provided me with the opportunity to exhibit in Paris, in particular Kristin Meller and Raoul Velasco. Kristin, a master of all trades, has been my channel of communication over the past two years, steadily e-mailing back and forth until this culminating point. Genuine thanks and sincere gratitude go to all the members of the Association Pour l'Estampe et l'Art Populaire in Paris.

This publication is dedicated to my children, artists of the future:
Ixtla Renee
Atlan Tenoch
Ollin Yarema

René H. Arceo, Chicago, IL

Root of Time

Themes reflecting social issues are frequently portrayed in Mexican printmaking and are current artistic sui generis. Printmaking differs from other artistic expressions which are often confined to limited socio-economic circles. Since the beginning of the 20th Century printmaking has become part of public life like a decisive epigram, expressing sharp social commentary and a synthesis of the ancestral Mexican iconographic force.

It is the artistic vigor of this genre that has enabled it to last beyond the journalistic immediacy. Let us remember the prints of Jose Guadalupe Posada published during the Mexican Revolution of 1910. These prints were harsh political and social commentaries which, even today, remain timeless works of art.

The prints presented in this exhibition by René Arceo have a dual social-aesthetic perspective where several currents converge. First, the viewer makes a connection between Arceo's work with the combative Mexican prints from the beginning of the 20th Century, like those of Jose Guadalupe Posada and Leopoldo Méndez. Second, the post-revolutionary artistic discourse of the muralists - mainly of the three great Mexican muralists: Rivera, Siqueiros and Orozco. And third, the artistic European styles that have nourished his artwork are evident.

Just as in the above-mentioned artistic tendencies, his works synthesize, in full dynamic compositions, narratives that resolve within themselves - at times telluric, at times controlled. They are social and cultural commentaries which transmit a sense of urgency while at the same time elaborate artistic creations that ask for the attention of the spectator.

It is not without cost that his work is impregnated with social themes; the history of Latino immigration to the United States is a continuous struggle for justice and respect. Frequently, the political reality stands firm in front of us and grabs us by our lapels, even when we may not want to see it.

Nevertheless, it is not mere didacticism that breathes within his prints, rather the iconic force of these images ask us to look at a slow pace to reveal its lyrical current within its many layers.

The "Muchacha con rebozo" that directs an intense look at us; the woman in "Meditacion" that rests and retreats into an interior world; and the indigenous "Tarahumara" that shows his knotty hands between the nervous flow of lines on his clothes are all figures with concentrated expressions that appear over a flat background, deprived of the elements. The emptiness from which the "Lacandon Boy" sees us accentuates his figure and echoes the precarious conditions in which the indigenous farm-workers live in Mexico and South America.

In other prints, on the other hand, forms mutate and cohabitate in space at the mercy of an astute handling of the line, generating intricate constructions, rich depths of details that evolve into new figures, expanding curves that form human profiles, animal and vegetable forms, and discernable objects. The musicality and the playful sense that those lines transmit, the impression of almost instinctive looseness in "Spiritual Dance" and "Central America" contrast with the gravity of "Guatemalan Women" and the indignant rage of "Madre con rebozo."

It is impossible to avoid the underlying presence of pre-Hispanic elements in the shape of masks or sculptures (the parallel faces in "Bolivian Woman"), the omnipotent Mexican skeletons that Posada immortalized, and the Aztec glyphs in the splendid "Alacran." The rich artistic tradition of the codex and low-relieves sculpted in stone by the ancient settlers of our American continent are a fountain from which Arceo has known how to successfully soak without folkloric theatricality.

This show of prints testifies to the vigor of this genre among Latino visual artists in the United States. These artists are continually exploring their cultural roots while immersing themselves in the agitation of the present day. Arceo's work, in particular, stands out not only due to his assimilation and knowledge of the printmaking tradition, but also because of his fresh and creative approach in how he creates his own language.

Julio Rangel, Chicago, IL

Raíz del Tiempo

Au Mexique, la gravure ayant une portée de critique sociale constitue un courant artistique à part entiére. Depuis le début du XX siècle et à difference d'autres formes de l'estampe touchant un public restreint, la gravure critique s'est insérée dans le débat public. Elle est aussi percutante qu'une épigramme, aussi aigue qu'un texte de dénonciation, construite sur le socle d'une synthèse de la force ancestrale de l'iconographie mexicaine.

C'est done sa vigueur plastique qui a permis à cette forme de l'estampe d'aller au-delà de immédiateté journalistique. Ainsi, les gravures publiées dans la presse par José Guadalupe Posada pendant la révolution mexicaine de 1910 et nourries d'une critique féroce à caractère politique et sociale, ont aujourd'hui une portée atemporelle.

Les gravures que René Arceo nous propose ici se situent dans ce double versant esthétique et social. Elles se réclament de l'école des graveurs combatifs du Mexique du début du XX siècle - tels que J. G. Posada et Leopoldo Méndez - mais aussi du discours plastique post-révolutionnaire des peintres muralistes - principalement les trois grands: Rivera, Siqueiros et Orozco. Cependant, les courants d'avant-garde en Europe ont nourri aussi l'oeuvre de René Arceo.

A partir de ses éléments, ses gravures sont d'un grand dynamisme, véritables récits par elles-mémes: parfois d'une dimension tellurique et d'autres fois extrémement contenues. Elles communiquent un sentiment d'urgence tout en étant des riches créations plastiques qui réclament un regard attentif de la part du public.

Ce n'est pas pour rien que son travail est irrigué par la thématique sociale: l'histoire des migrants aux Etats-Unis est une lutte continue pour la justice et pour la dignité. C'est ainsi que la réalité politique dans ce contexte s'offre à nous et, tel qu'une force qui nous empoigne, s'impose à notre regard.

Cependant, ce n'est pas le propos didactique qui est à la base du travail d'Arceo. La force iconographique de ses images nous demande un regard aigu pour en déceler le lyrisme, mais aussi les forces souterraines de leur origine: la «Muchacha con rebozo», qui nous fixe intensément; la femme en «Méditation», qui se repose, tournée vers son monde intérieur; ou bien l'indien «Tarahumara», dont la main noueuse est insinuée entre les lignes fuyantes de ses habits. Tous sont des portraits d'une grande expressivité qui se dévoilent sur un fond plat et dépourvu d'autres éléments. Le vide depuis lequel nous regarde «L'enfant lacandon» accentue sa présence, tout en faisant echo à la précarité dans laquelle vivent les indiens et les paysans au Mexique et en Amérique du Sud.

Dans d'autres gravures, par contre, les formes cohabitent et se transforment dans l'espace et ceci grace au maniement adroit de la ligne comme source des constructions complexes, des décors riches en détails qui se métamorphosent en nouveaux visages, courbes amples qui dessinent des profils humains et d'objets perceptibles, des formes animales et végétales. La musicalité et le sens ludique transmis par ces lignes, l'impression de légèreté presque instinctive de «Spiritual Dance» et «Central America» s'opposent à la gravité de «Guatemalan Woman» et à la rage manifestée de «Madre con rebozo».

II est aussi impossible d'ignorer, dans le travail d'Arceo, la présence sous-jacente des éléments préhispaniques sous la forme de masques ou de sculptures (les visages parallèles de «Bolivian Woman»). On trouve aussi l'omniprésente calavera mexicaine immortalisée par Posada et les glyphes aztéques dans le splendide «Alacrán». La riche tradition plastique des codex et des bas-reliefs taillés dans la pierre par les anciens peuples d'Amérique sont une source dans laquelle Arceo a su s'abreuver sans faux-semblants folkloriques.

L'exposition des gravures d'Arceo présentée ici, est un témoignage de la vigueur de cette forme d'Art parmi les créateurs latino-américains vivant aux USA. Ils sont dans une exploration continue de leurs racines culturelles, tout en étant plongés dans un présent en convulsion. Ainsi, l'oeuvre d'Arceo est remarquable par sa connaissance et sa maîtrise de la tradition de la gravure, mais aussi de part la fraîcheur et la créativité de son propre langage.

Julio Rangel, Chicago, IL

Raíz del Tiempo

El grabado mexicano de tema social es una corriente artística sui generis, pues a diferencia de otras manifestaciones, confinadas a círculos restringidos, desde principios del siglo XX se ha insertado en la vida pública con la contundencia de un epigrama, un afilado comentario social, y una síntesis de la ancestral fuerza iconográfica mexicana.

Es el vigor plástico de este género el que lo ha hecho perdurar, más allá de la inmediatez periodística (recordemos que los grabados que José Guadalupe Posada publicó en la prensa durante la Revolución Mexicana de 1910, ácidos comentarios políticos y sociales, hoy se sostienen como un arte atemporal).

Los grabados que ahora presenta René Arceo tienen esa doble vertiente estético-social, y en ellos convergen tanto la escuela de los combativos grabadores mexicanos de principios del siglo XX, como José Guadalupe Posada y Leopoldo Méndez, y el discurso plástico posrevolucionario de los muralistas - primordialmente los tres grandes: Rivera, Siqueiros y Orozco-, como las corrientes europeas vanguardistas, que también han nutrido su obra.

Como en las tendencias mencionadas, sus grabados sintetizan, en composiciones llenas de dinamismo, narraciones que se resuelven en sí mismas - a veces telúricas, a veces contenidas. Son comentarios sociales y culturales que transmiten un sentido de urgencia, pero son también elaboradas creaciones plásticas que piden la atención del espectador.

No es gratuito que su arte esté impregnado de temática social; la historia de los inmigrantes en Estados Unidos es una continua lucha por la justicia y el respeto, y a menudo la realidad política se planta ante nosotros y nos toma de las solapas aunque no queramos verla.

No es, sin embargo, un mero didactismo lo que alienta sus grabados, pues la fuerza icónica de estas imágenes nos pide una mirada detenida para revelarnos su corriente lírica, sus capas profundas.

La "Muchacha con rebozo" que nos dirige una mirada intensa, la mujer en "Meditación" que reposa, replegada en un mundo interior o el indígena "Tarahumara" que asoma su mano nudosa entre el nervioso fluir de líneas de su indumentaria, son figuras de expresividad reconcentrada que aparecen sobre un fondo plano, despojado de elementos. El vacío desde el que nos mira "El niño lacandón" acentúa su figura y hace eco a la precariedad en la que viven indígenas y campesinos en México y Sudamérica.

En otros grabados, en cambio, las formas mutan y cohabitan en el espacio, merced a un diestro manejo de la línea, generando intrincadas construcciones, fondos ricos en detalles que devienen nuevas figuras, dilatadas curvas que forman perfiles humanos y objetos discernibles, formas animales y vegetales. La musicalidad y el sentido lúdico que transmiten esas líneas, la impresión de soltura casi instintiva de "Spiritual Dance" y "Central America" contrastan con la gravedad de "Guatemalan Women" y la rabia indignada de "Madre con rebozo".

Imposible soslayar la presencia subyacente de los elementos prehispánicos en forma de máscaras o esculturas (los rostros paralelos en "Bolivian Woman") la omnipresente calavera mexicana que Posada inmortalizó, y los glifos aztecas en el espléndido "Alacrán". La rica tradición plástica de los códices y los bajorelieves esculpidos en piedra por los antiguos pobladores de nuestra América son una fuente en la que Arceo ha sabido abrevar con acierto, sin aspavientos folclóricos.

Esta muestra de grabados da testimonio del vigor de este género en los artistas plásticos latinos de Estados Unidos, en continua exploración de sus raíces culturales e inmersos en el presente convulso. Particularmente, la obra de Arceo destaca por la asimilación y el conocimiento de la tradición del grabado, pero también por la frescura y la creatividad con que crea su propio lenguaje.

Julio Rangel, Chicago, IL